NYCxDesign 2023: Eine neue Antiquitätengalerie und Bubble Glass

Während der Design Week in New York City breiteten sich die Neueröffnungen auf die Straßen aus, der Wein floss in Strömen und ehrgeizige Ausstellungen eroberten Parks und leerstehende Gebäude. Die allgemeine Stimmung war, dass die Designwelt nach all der Ungewissheit und Beklemmung der Pandemie endlich wieder neuen Schwung bekam und sich in eine optisch, materiell und strukturell reichhaltigere Richtung bewegte.

Galerie Was, eine Galerie für antikes und zeitgenössisches Design, die während der Design Week in der Broome Street eröffnet wurde, ist wie ein beruhigender Kokon. Es ist gefüllt mit olivgrünen Samtsofas, Bouclé-bezogenen Loungesesseln, floralen Wandteppichen aus dem 18. Jahrhundert und abgenutzten Holztischen von belgischen und Pariser Flohmärkten. Der große Raum ist in geschichteten Vignetten angeordnet, die wie Räume zusammengesetzt sind, was eine Anspielung auf die Anfänge der Galerie ist. Den Sammlern Allie Fitzpatrick und Andy McCune gefiel die Zusammenarbeit mit ihrer Innenarchitektin Lauren Piscione (die ihre Häuser in Tribeca und Hamptons eingerichtet hat) so gut, dass sie nicht damit aufhören wollten. Also eröffneten die drei die Galerie Was, in der man neben einem Pierre-Jeanneret-Stuhl auch ein Nancy-Kwon-Keramikgefäß, einen Holzschuhmachertisch und Lampen mit pergamentähnlichen Schirmen finden konnte. „Es ist ein Gespräch zwischen Objekten“, sagt Piscione. 301 Broome; nur mit Termin.

„Public Access“ führte die Besucher aus den Galerien in eine Ecke des Brooklyn Navy Yard. Dort, in der Naval Cemetery Memorial Landscape, einer Bestäuberwiese, die etwas größer als ein Fußballfeld ist, konnten die Menschen über Holzstege schlendern und Vogelhäuschen, Lebensräume für Honigbienen und für die Show entworfene Bänke entdecken. Es war eine nachdenkliche und eindringliche Erfahrung für eine Installation rund um die Themen Fürsorge und Umweltschutz, kuratiert von Jean Lee, Mitbegründerin von Ladies & Gentlemen Studio und Mitglied von Furnishing Utopia, einem internationalen Designerkollektiv, das von den Shakers inspiriert wurde 'problemlösende Designphilosophie und eingeschworene Community. Im Gegensatz zu den Luxusobjekten und kommerziellen Produkten, die normalerweise im Mittelpunkt der Design Week stehen (und für die meisten Menschen unerreichbar sind), sind alle Artikel in „Public Access“ Open Source, was bedeutet, dass jeder die Designs herunterladen kann (es gibt 35). insgesamt) kostenlos und bauen Sie sie. Die Installation und eine begleitende Ausstellung im Architekturbuchladen Head Hi sind bis zum 3. Juni geöffnet.

Wenn ein Stuhl ein Gesprächsstoff wäre, worüber würde er die Leute zum Reden bringen? So etwas wie „vom Computer runter und zurück in die Realität“, sagen Studenten der Möbeldesign-Abteilung des RISD, die in ihren „Wanted Design“-Ausstellungen immer konzeptionell und formal spannende Stücke anbieten. In diesem Jahr haben sie Objekte entworfen, die die Verbindung untereinander, zur Arbeit, zu gefundenen Artefakten fördern sollen, als Gegenmittel zur Leere der digitalen Interaktionen, die unser Leben übernommen haben. Das Ergebnis ist eine Reihe von Arbeiten mit unerwarteten Formen und einfallsreichen Materialien. Einige Studenten verstanden unter dem Thema „wiederhergestellte Häuslichkeit“ eine sehr „gewalttätige“ Art, Dinge herzustellen, wie Michelle Jiaxing Huang den Herstellungsprozess ihres aufgeblasenen Stahlstuhls „Eternal Recurrence – Landing“ beschrieb, bei dem Druckluft in Metalltaschen gepresst wurde Sehen Sie, wie verstümmelt das Material werden könnte. Andere interpretierten es eher als einen Akt der Schonung der Erde, wie Samuel Aguirre, der aus Pappe, Stärke und Baumwollfasern einen Stuhl mit Waffelstruktur baute, der sich in weniger als einem Jahr zersetzt.

Sophie Lou Jacobsen hat im vergangenen Jahr vier neue Haushaltswarenkollektionen herausgebracht, von denen jede einen anderen Bereich handwerklicher Handwerkskunst hervorhebt – ihre Flora-Kollektion, die mit dem Beleuchtungsstudio In Common With hergestellt wurde, betonte die venezianische Glasbläserei und ihre Geschirrserien Twist und Spiral , entwickelt mit dem Folk-Antiquitätengeschäft Etagere, mit Schwerpunkt auf Metallarbeiten. Jacobsens neueste Version ist die Coral Collection, eine 16-teilige Linie aus farbenfrohen, genoppten Vasen, die gemeinsam mit der in Paris ansässigen Marke La Romaine Editions entwickelt wurde. Die Gefäße bestehen aus Blasenglas, das aus einer Glasbläsertechnik stammt, bei der Luftblasen absichtlich im Material eingeschlossen werden, und werden in Biot hergestellt, einer Stadt in der Provence, die für die Entwicklung dieser Technik berühmt ist. Sie sind überaus schön.

Sight Unseen hat seine Design Week-Show von der weitläufigen Offsite-Messe der vergangenen Jahre auf eine Einzelgalerie-Ausstellung bei Voltz Clarke reduziert. Aber die sorgfältig zusammengestellte Möbelkollektion, die mit 23 aufstrebenden Designern und Designern in der Mitte ihrer Karriere zusammengestellt wurde, bietet ebenso viel Entdeckergeist; Bei vielen Artikeln handelt es sich um Neu- oder Debütstücke, die auf der Messe vorgestellt wurden. Ich war fasziniert von einem Eichenstuhl mit Muschelkante der in Detroit ansässigen Designerin Aleiya Olu und einem Tisch aus Aluminiumguss des mexikanischen Studios Ohla mit einer stark strukturierten Platte.

Das Designstudio Egg Collective ist bekannt für seine Plüschsofas (eines erschien sogar in einer Folge von Succession), minimalistischen Marmortischen und Holzkonsolen. Doch anlässlich seines 11-jährigen Jubiläums in diesem Jahr entschied man sich, für die neue Snake Eyes-Kollektion mit verschiedenen Materialien und Formen zu arbeiten. Es ist die bisher persönlichste und abstrakteste Serie. Die aus brüniertem und poliertem Edelstahl gefertigten Fortune-Couchtische haben eine wellenförmige Silhouette, die an die verschnörkelten Spuren einer Schlange erinnert, und sind mit einem schützenden Auge, Baumringen und einer Bienenwabe, Symbolen für Wiedergeburt, Glück und Langlebigkeit, graviert.

Während ihre vor 17 Jahren veröffentlichte Branching Bubbles-Lampe ihr Studio am Leben hält, ist Lindsey Adelman heutzutage persönlich mehr daran interessiert, Einzelstücke zu entwerfen. Deshalb gründete sie ein experimentelles Nebenprojekt namens LaLAB für Sonderanfertigungen. Auf diese Weise kann sie Dinge entwerfen, ohne sich Gedanken darüber machen zu müssen, wie ihr Studio sie wiederholen wird. „Ich kann viel spontaner und nachsichtiger sein“, sagt sie. Bisher hat sie Lampen hergestellt, die an zarte Mobiles erinnern, die mit mit Blattgold bedeckten Kugeln, Pyrit- und Quarzbrocken und drapierten gehäkelten Kettenhemden kontrastiert werden.

Während es in der Designwelt leider häufig vorkommt, kopiert zu werden (und sogar eine legitime Bedrohung für kleine Unternehmen darstellt), hat Jean Lins Designgalerie Colony das Thema in einer intelligenten Ausstellung von Möbeln und Leuchten aufgegriffen, die zeigt, wie Künstler auf die Arbeit einer anderen Person verweisen können ohne es abzureißen. Um die Designer ihres Kollektivs anzuregen, lud Lin sie ein, historische Referenzen auszuwählen – von Gemälden von Donald Judd bis zu Skulpturen von Sanford Biggers – und sie mit ihrer eigenen Sensibilität neu zu interpretieren. Oftmals war das Ausgangsmaterial (abgebildet in Fotos auf den Wandetiketten) ebenso faszinierend wie die neuen Werke, wie zum Beispiel die Tür aus der Elfenbeinküste aus dem 19. Jahrhundert, die Grains Off-Grid-Anrichte inspirierte, ein mit Ebenholz gebeizter Schrank mit geschnitzten Schachbretttüren. Bis 30. Juni.

Der You Are Infinite-Schrank der Designerin Caroline Chaos ist eine schlanke, minimalistische schwarze Säule. Aber sobald man seine Türen öffnet, explodiert es in Dutzende verzerrter Reflexionen, wie ein Musikvideo von Hype Williams. Der Effekt entsteht durch einen Innenraum, der vollständig mit Spiegeln ausgekleidet ist – einige davon sind gerade angebracht und in einer Reihe dreidimensionaler runder und länglicher Formen geschnitten. Das Design von Chaos erinnert an Wunderkammern, Kuriositätenschränke zur Aufbewahrung wertvoller Gegenstände, aber das Wunder, das der Schrank enthält, ist kein Ding; Es ist die Person, die nach innen schaut – oder genauer gesagt, das unendliche Selbst, das die Person verkörpern könnte. Das Stück ist Teil von „Upon Further Reflection“, einer Ausstellung mit Möbeln und Objekten von 20 AAPI-Künstlern und -Designern im Noho-Showroom von Phillip Lim, die bis zum 25. Mai zu sehen war.

Die Brooklyn Bridge und die Manhattan Bridge sind vielleicht die berühmtesten Brücken der Stadt, aber das Hell Gate, der Bahnübergang zwischen Randall's Island und Astoria, ist der coolste (oder hat zumindest den besten Namen). Die in Brooklyn ansässige Designerin Bowen Liu hat die Struktur – unter der sie häufig segelt – in ihrer Helle-Kollektion verewigt, die einen minimalistischen Beistelltisch, eine Bank, Buchstützen und eine Stehlampe umfasst, die subtil auf Architekturansichten verweisen, die nur vom Wasser aus zu sehen sind . Die Stücke bestehen aus Gussglas, einem technisch anspruchsvollen Material, das im Möbelmaßstab verwendet werden kann. Es dauert fast zwei Wochen, bis die dicken Platten, die wie strukturierte Eisblöcke aussehen, in einem Ofen vollständig aushärten.